"A impossibilidade de
participar de todas as combinações em desenvolvimento a qualquer
instante numa grande cidade tem sido uma das dores de minha vida. Sofro
como se sentisse em mim, como se houvesse em mim uma capacidade
desmesurada de agir. Entretanto, na parte da ação que a vida me reserva,
muitas vezes me abstenho e outras me confundo. [...] A idéia de que
diariamente, a cada hora, a cada minuto e em cada lugar se realizam
milhares de ações que me teriam profundamente interessado, de que
certamente deveria tomar conhecimento e que entretanto jamais me serão
comunicadas — basta para tirar o sabor a todas as perspectivas de ação
que encontro à minha frente. O pouco que eu pudesse obter não
compensaria jamais esse infinito perdido. Nem me consola o pensamento de
que, entrando na confrontação simultânea de tantos acontecimentos, eu
não pudesse sequer registrá-los, quanto mais dirigi-los à minha maneira
ou mesmo tomar de cada um o aspecto singular, o tom e o desenho próprio,
uma porção, mínima que fosse, de sua peculiar substância". (Carlos
Drummond de Andrade, 1944)
Mark
Rothko Nº 207 (Red over Dark Blue on Dark Gray),
1961
Oil
on canvas, 235,6 x 206,1 cm. University of California, Berkeley Art
Museum, USA
Gift of the
artist
"A história da arte só
pode basear-se na mais elevada e completa concepção da arte. O progresso
cronológico e psicológico da humanidade na arte somente pode ser exibido
mediante o contato com os mais perfeitos objetos que o homem tem sido
capaz de produzir. A arte foi de início uma atividade limitada, ocupada
com a seca e magra imitação tanto do significante como do
insignificante. Desenvolveu-se, então, uma sensibilidade mais delicada e
atraente pela natureza, e, finalmente, conhecimento, regularidade, força
e seriedade foram acrescentados de tal modo que, favorecida pelas
circunstâncias, a arte elevou-se às alturas, até que afinal se tornou
possível para o gênio afortunado, munido de tudo isso, produzir o
encantador e o perfeito. Infelizmente, porém, as obras de arte que
proclamam tal facilidade, que dão aos homens um sentimento tão
reconfortante, que os inspiram com liberdade e serenidade, sugerem ao
artista que deseja emulá-las que elas foram criadas com igual
facilidade. A mais alta realização da arte e do gênio é uma aparência de
facilidade e leveza, e o imitador sente-se tentado a facilitar as coisas
para si mesmo e trabalhar apenas nessa aparência superficial. Assim a
arte gradualmente declina de sua condição elevada, tanto no todo como
nos detalhes". (Goethe,
1798)
Mark
Rothko, Untitled, 1968
Oil
on paper on canvas, 61 x 45,7 cm
Aaron I.
Fleischman
"Agora me digam: pode um
homem que odeia a si próprio amar alguém? Pode ele estar em harmonia com
alguém se está internamente cindido, ou dar prazer a alguém se é apenas
um peso detestável para si mesmo? Ninguém, suponho, dirá que pode, a não
ser que seja mais louco ainda que a Loucura. Pois bem, remova-me [a
Loucura], e ninguém mais conseguirá suportar seu semelhante; cada um
passará a feder em suas próprias narinas e a considerar tudo a seu
próprio respeito fétido e repulsivo. [...] O que existe de mais tolo que
a auto-satisfação e a auto-admiração? Mas como agir com graça, brilho e
encanto se não se está satisfeito consigo mesmo? Retire esse sal da
vida, e imediatamente o orador se tornará maçante, o músico produzirá
tédio com sua melodia, o desempenho do ator será vaiado, o poeta e as
musas serão objeto de riso, o pintor e suas obras perderão valor, e o
médico passará fome com seus remédios". (Erasmo
de Rotterdam, 1511)
Mark
Rothko, Untitled, 1968
Oil
on paper on canvas, 61 x 45,7 cm
Aaron I.
Fleischman
"De fato, entre a poesia e
a verdade existe uma natural oposição: falsa moral e natureza fictícia.
O poeta sempre necessita de algo falso. Quando ele pretende fincar seus
fundamentos na verdade, o ornamento de sua superestrutura é feito de
ficções; sua ação consiste em estimular nossas paixões e excitar nossos
preconceitos. A verdade, a exatidão de todo tipo, é fatal à poesia. O
poeta tem de olhar tudo através de meios coloridos e se esforça em levar
cada pessoa a fazer o mesmo. Existem espíritos nobres, é verdade, com os
quais a poesia e a filosofia estão igualmente em dívida, mas essas
exceções não contrabalançam os danos resultantes dessa arte mágica".
(Bentham,
1811)
Mark
Rothko, Untitled, 1969
Acrylic
on paper, mounted on canvas, 193 x 122 cm
"Não apenas Harold
Rosenberg (1906-1978) e Clement Greenberg (1909-1994), mas também a
maioria dos críticos contemporâneos considera Mark Rothko (1903-1970) um
dos maiores expoentes do expressionismo abstrato, após Wassily Kandinsky
(1866-1944). Ao lado de Willem de Kooning (1904-1997), Clyfford Still
(1904-1980), Ashile Gorky (1905-1948), Barnett Newman (1905-1970),
Jackson Pollock (1912-1956), Franz Kline (1910-1962), David Smith
(1906-1965), entre outros, Rothko concebia as artes plásticas como o
caminho da redenção e fonte para a progressiva evolução das emoções e
sensações humanas. Leitor atento de Nietzche, observa o senso e a
exigência estética da própria experiência sentida, direta, não
racionalizada, em todo o seu esplendor prolongado, encanto, envolvimento
e arrebatamento. Ao longo da sua carreira, explorou a cor e a textura — através de vibrantes estímulos visuais, táteis e espirituais — na
admirável forma de retângulos multiformes. Utilizou um número limitado
de espectro de cores em seus painéis e revalorizou, nas artes plásticas,
esta figura geométrica. Restabelecendo a comoção e a perturbação
necessárias, de acordo com Rothko, ao expressar na vertical e horizontal
a subjetividade indissociável, para evocar o espiritual e a contemplação
máxima contra os excessos da sociedade de consumo americana. Proclamando
a liberdade como o símbolo perdido na era da alienação em seus fluxos
comerciais e contextos redutores. Redimensionando um novo atributo para
a 'cor absoluta' em seus contrastes e presenças com outros pigmentos
diferentes. Variações cromáticas. Auras em oposição ao realismo. Janelas
para as almas. Recortando e aproximando/desaproximando o fundo da forma,
privilegiando a resolução da aparente pureza de tons indecisos e o vigor
através do metamerismo. Uma nova abstração, soberana, exuberante e
celestial frente a frente com as citações, interrogações e
inconformidades do ser humano: terreno e suas linhas de experiências de
vidas dramáticas, sombrias e carentes de transcendências. Para fugir do
rótulo de colorista, pois é influenciado pela pintura do fauvista Henri
Matisse, e abstrato — sempre rejeitou tal classificação —, Rothko chegou
a afirmar aos críticos: 'Que fique bem claro. Não sou um
abstracionista... Não estou interessado na relação da cor com a forma ou
com qualquer outra coisa. Estou interessado apenas em expressar as
emoções humanas básicas — tragédia, êxtase, ruína e assim por diante. E
o fato de muita gente se ir abaixo e chorar quando você se vê
confrontado com os meus quadros mostra que consigo comunicar emoções
humanas básicas... As pessoas que choram perante as minhas pinturas
estão a ter a mesma experiência religiosa que eu tive quando as pintei.
E se você, como diz, se emociona apenas com as relações de cores não
entendeu'. A cor-vida é a história pessoal, experiência e expressão do
sublime. Nos dizeres de Clement Greenberg, o artista inventa uma nova
forma de pintar: 'a pintura do campo de cor'. Entretanto, foi necessário
muito trabalho, pintar/repintar, amadurecer, tornar mais elástica a
linguagem, tema recorrente na filosofia de Ludwig Wittgenstein
(1889-1951), e fazer a distinção entre o necessário e o contingente
sensorial. A partir da sua elaboração estética/intimista do
essencial/contingente nas artes plásticas, Rothko (numa postura
semelhante a Barnett Newmann e Clyfford Still) demarca o seu território,
radicalmente contrário ao método adotado por Jackson Pollock, a 'action
painting'. Uma outra articulação estética essencial nos seus trabalhos:
priorizar uma outra pessoa, o espectador. Como observa Rothko em 1947:
'Um quadro vive de companheirismo, expandindo-se ou reduzindo-se aos
olhos do observador sensível', para dar sentido à sublimação
compartilhada. Comunhão intuitiva, epifanias pulsantes, resplandecentes
em tons intensos, para reluzir a primeira pessoa — o artista —, seu
conhecimento e o mundo imaginativo que o contém. No seu legado, o
contraste, combinações e luminosidades cromáticas influenciou e ainda
influencia de modo perceptível a evolução do design na atualidade".
(José
Aloise Bahia, 2009)
Mark
Rothko, Untitled (Black on Gray), 1969/1970
Acrylic
on canvas, 203,8 x 175,6 cm. New York, USA, Solomon R. Guggenheim
Museum
Gift
of Mark Rothko Foundation, Inc., 1986
Mark
Rothko,
cujo nome de batismo era Marcus Rothkovitz, nasceu no dia 25 de setembro
de 1903, em Dvinsk, Rússia, hoje cidade de Daugavpils, Letônia, situada
às margens do rio Daugava (Divina Ocidental). Descendente de judeus, em
1913 emigra com a família para Portland, Oregon, Estados Unidos da
América. Após a morte do pai (1914), freqüenta a Universidade de Yale,
EUA. Posteriormente, tem aulas de anatomia com George Brodgeman na Art
Students League (ASL), Nova Iorque, EUA. Em 1925 pinta suas primeiras
telas no estilo expressionista. Em 1932, casa-se com Edith Sachar.
Realiza em 1933 sua primeira exposição solo no Portland Museum of Art,
EUA. Trabalha em 1936 no departamento de pintura da WPA em Nova Iorque,
EUA, e torna-se cidadão norte-americano (1938), passando a assinar Mark
Rothko. Até 1946 realiza trabalhos abstratos e surrealistas em guache,
aquarela e têmpera, e divorcia-se de Edith Sachar. Casa-se novamente
(1945) com Mary Alice "Mell" Beistler e pinta seu último trabalho
surrealista (1946). 1947 é um ano importante, pois retorna a pintar
formas abstratas, porém multiformes, que incluem configurações
retangulares e realiza a primeira exposição solo na Galeria Betty
Parsons, Nova Iorque, EUA. Dá aulas e conferências sobre arte
contemporânea (1949) na California School of Fine Arts, São Francisco,
EUA, e começa a intitular seus quadros somente com números e anos.
Viagem à Europa (1950). Torna-se professor (1951) de desenho no Brooklyn
College, Nova Iorque, EUA. Expõe (1952) no Museu de Arte Moderna de Nova
Iorque, EUA e no Art Institute de Chicago, EUA (1954). Em 1957, reduz a
sua paleta para tonalidades mais escuras e recebe o convite de artista
residente da Universidade Tullane, Nova Orleans, EUA. Assina contrato
para pintar murais para o Seagram's Building, Nova Iorque, EUA (1954).
Outra viagem para a Europa (1959). Contratado pela Universidade de
Harvard, Cambridge, EUA, para decorar uma sala de jantar no Holyoke
Center com murais (1961). Em 1965, nove dos murais da Seagram são
instalados permanentemente na Tate Gallery, Nova Iorque, EUA. Realiza a
terceira e última viagem à Europa (1966) e dá aulas na Universidade da
Califórnia, Berkeley, EUA (1967). Em 1968, começa a catalogar seus
trabalhos e sofre um aneurisma. Separa-se em 1969 de Mell e recebe o
doutoramento honoris causa
pela Universidade de Yale, New Haven, EUA. Suicida-se em 25 de fevereiro
de 1970. Em 1971, é consagrada a Capela Rothko em Houston, EUA. Em
novembro de 1999, uma de suas telas datada de 1952 foi comercializada
por 10,2 milhões de euros.
março,
2009
