1. O
ARTISTA
Maurino Araújo é caso único na atualidade
plástica. De estilo expressionista barroco, é, artística e
emocionalmente, contemporâneo dos mestres escultores do século 18. Não
lhes copia o estilo, mas cria e se aprofunda dentro da escola que se
afigura viva. A arte contemporânea não o influencia, aflorando em cada
peça que executa a vitalidade intensa do barroco.
Deformados, inquietantes,
inquisitivos são os santos e as mulheres que suas mãos fazem surgir do
cedro ou da peroba. Com sentido profundamente religioso, marca as
figuras, em blocos ou isoladas, com o selo místico de sua alma.
Contorcidas em proposital deformação, sofrem e gemem ante o peso da
própria humanidade.
De
onde tamanha carga de sofrimento? Aparentemente, não do tranqüilo e
modesto escultor. Não será por passagem direta, sem interrupção, como
que um mensageiro de uma época marcada pela intransigência, pelo
misticismo fanático e anseios abafados? A mostra palpitante de um mundo
que sobreviveu incólume à ação dos séculos.
Ao
falarmos das obras de Maurino Araújo, precisamos fazer um breve retorno
ao passado, não só pelo percurso estilístico do artista como pela
própria formação cultural brasileira. Observamos a presença do barroco
que ainda vive e rege a obra de muitos artistas contemporâneos, seja na
identificação de estilo, seja no espírito da profunda religiosidade
popular vigente em Minas Gerais e no caráter mestiço que o torna
singular ante o praticado em diferentes lugares do
país.
Figuras
do Antigo Testamento, Escultura, Madeira,
1978
2. O ARTISTA E A
TRAJETÓRIA
Através deste processo
podemos observar a trajetória de Maurino como a da própria história da
arte mineira. A primeira fase da obra escultórica de Maurino é intimamente ligada
aos cânones do barroco com as rocailles, formas redondas,
volutas, dramas. A estilização da forma estética expressionista —
carregada de emoção e sentimento. Posteriormente seu processo criativo
se modifica ao entrar em contato direto com a arte da Nigéria, sobretudo
a praticada em Ifê, durante o período em que esteve na África e também
através de livros e visitas a museus europeus e
brasileiros.
A descoberta do ouro em
Minas Gerais, no final do século 17, ocasiona profundas modificações no
cenário brasileiro e para a cultura que começa a se instalar, mescla de
portugueses, cristãos-novos, ciganos e a massiva presença de africanos.
Com a proibição de se instalarem ordens religiosas nos Campos das Minas
Gerais, frutificam as confrarias de leigos brancos, pardos e negros,
competindo entre si pelo apuro e desenvolvimento artístico em seus
monumentos religiosos. O século 18 se caracteriza socialmente pela
presença de mestiços, notadamente mulatos, no ofício das artes — o
que representava um caminho de afirmação profissional e de ascensão
social para eles, desde que a sociedade não previa o seu aparecimento e
tão pouco a sua inserção no meio. Aos negros eram destinados os
trabalhos dos eitos e das lavras; aos brancos era vedado, por questão de
"status" social, qualquer trabalho exercido com as mãos, exceto
escrever, atividade considerada como intelectual e proibida aos
demais.
Música, arquitetura e
escultura religiosas se desenvolveram muito nos séculos 17 e 18 e com
elas puderam os negros e, notadamente, os mestiços afirmar sua
criatividade na arte e na manufatura, sendo que estas últimas lhes eram
oficialmente vedadas pelos Decretos Reais, como o de 20 de outubro de
1621, que dizia textualmente: "Nenhum negro, mulato ou índio pode
trabalhar como ourives".
Isso na região das lavras
de ouro que usava, entre tantas, a técnica dos bantus na extração
de minério e das pedras preciosas. "Além dessas restrições,
cuidadosamente desleixadas, aos negros e seus descendentes não foram
permitidos o exercício da artesania e o uso de símbolos nas esculturas e
objetos de cultos originais. Só lhes restava integrar-se aos trabalhos
de talha, esculpir os adornos e imagens ou pintar e dourar os templos e
símbolos da religião dominante – a católica. Exatamente por aí, pelas
brechas e pelos desvãos por eles criados é que, sorrateiramente, passam
a herança simbólica, os caprichos de estilo e a herança humana destes
cativos. Todas as leis e contigências vedavam-lhes qualquer expressão de
sua gentilidade, forçando-os a integrar-se na religião que se confundia
com a própria administração da colônia. Não se tratava portanto, do
Brasil em autonomia e nem da África em continuidade" (Clarival do Prado
Valladares, 1979). Essa prática singular confere ao barroco mineiro, com
seus artistas e oficiais, uma situação marcante entre os demais.
A forte presença do
mestiço ainda é marcante na segunda metade do século 19. Começa a
declinar quando o período barroco se obscurece sob o impacto da chegada
da Missão Francesa, trazendo o neoclassicismo diretamente ligado à
formação da elite européia e de pronto adotado pela nascente
"elite" brasileira, como forma de expressão estética refinada
em choque com o barroco do próprio "fazer acadêmico", prevendo anterior
passagem e aceitação pelos Liceus de Artes e Ofícios ou pela Escola
Nacional de Belas Artes. A arte se torna a expressão da nobreza. Poucos
países incluídos na Diáspora Africana têm a história de suas artes tão
marcadas por homens de etnias negras como o Brasil. Verificamos que as
estéticas africanas, ou a sua tradição, constituem uma estrutura
fundamental na obra de muitos artistas contemporâneos, assim como na
criatividade popular.
Vivendo em meio à época
(1960-1970) de pesquisas ambientais, conceituais e outras expressões da
arte atual, Maurino conserva-se plenamente integrado ao mais autêntico e
real sentido dos ideais estéticos barrocos.
A dramaticidade do corte é
acentuada pelo sombrio das cores: o azul profundo, vermelho escuro, o
sépia e o marrom invocam antigos dramas perdidos na escuridão dos
tempos. "Maurino, em sua despretensão, traz a proposta do santeiro,
entretanto, por seu extraordinário talento criativo, ele logo se
identifica ao nível do escultor imaginário. Nenhuma de suas imagens
imita, ou repele os padrões da hagiografia tradicional. Por ser um
expressionista de grandes possibilidades, Maurino revisa o assunto,
interpreta um atributo do texto hagiológico e nos oferece uma nova
virtualidade da imagem. O acréscimo da policromia de suas peças é a sua
contribuição como pintor, perenizando um recurso do expressionismo
barroco" (Clarival do Prado Valladares, 1979). Não apenas o barroco europeu, como
cita Clarival, mas também da arte iorubá, notadamente a do século 16 na
cidade de Ifé (Nigéria) com seus redondos, volutas, elipses, expressão
dramática e emocional irmanados pela sensibilidade criativa de Maurino,
nas décadas de 1980 e 1990.
Entre nós permaneceu viva
a tradição santeira popular e com seus representantes temos Francisco
Fátima de Araújo, Cláudio Gerais, Wilson Serrano, entre outros. O
próprio Maurino, em sua primeira fase era, sem dúvida, o santeiro-mor
das Minas Gerais. Começando a esculpir em um meio no qual a influência
barroca e a arte santeira são historicamente significativas, Maurino não
fugiria dessas influências iniciais.
A ênfase na beleza, a
impressão de volumes nos mantos, o atarracado das figuras, o movimento
retorcido dos corpos, a tensão de forças na escultura, quase sempre com
movimentos circulares, a forte expressividade, a dor, as peles claras, a
expressão sofrida e angustiada de seus santos e anjos fazem de Maurino
um significativo nome do expressionismo barroco: a alma fala e fere a
madeira em cada talhe do artista. Somente na figuração de Jesus, São
Francisco e Nossa Senhora da Conceição, o artista atenua a expressão de
dramaticidade. Nessas, suas devoções iniciais, confere um maior plano à
calma e à espiritualidade, enquanto os demais se revolvem num plano mais
humano e terreno, desde que seus santos têm muito mais ligação com a
terra do que com o céu.
Anjo
Negro, Escultura, Madeira, 1978
3. O ARTISTA, A TRAJETÓRIA
E O HOMEM
Maurino Araújo nasceu no
dia 28 de maio na cidade de Rio Casca, na Zona da Mata, Mina Geral, em
1943. Passou parte de sua infância no Paraná, onde, na escolinha rural
em que estudou, a professora mandava-o desenhar, no quadro-negro,
fascinada com o talento precoce do aluno. Estudou seis anos no Seminário
de São João del Rei, MG, transferindo-se em 1965 para Belo
Horizonte.
Trazia a necessidade
íntima de se expressar através da arte. Necessitando de um material
resistente para suas peças recorre à madeira e, nessa ocasião, toma como
mestre o Aleijadinho (1730-1814). Estuda minuciosamente suas obras. A
expressão da face e do corpo, o corte da madeira, nada escapa da sua
visão aguçada. A impressão é profunda e sentida. Fica gravada na mente,
deixando em suas obras leves resquícios dessa influência poderosa.
Trabalha de preferência com o cedro, utilizando-se do formão e da grosa
para retirar da madeira pesados blocos esculturais. Começando como
distração, a escultura tornou-se paulatinamente a expressão do seu
íntimo, uma necessidade imprescindível do espírito.
Apenas em 1970, passou a
dedicar-se exclusivamente à arte. Nota-se em várias de suas obras, uma
intensa expressão de sofrimento contido, como se não pudesse suportar o
fardo de suas revelações. O corte rápido e preciso confere um tom
dramático, aos agrupamentos de figuras.
Cursou o seminário
franciscano, decidido a seguir os passos do santo de sua devoção: São
Francisco de Assis. Mas, os tempos mudaram e com eles as ordens.
Desencantado, Maurino deixa o recolhimento do convento, dedica-se com
maior afinco ao exercício da escultura já iniciada. O tema sacro não foi
escolha, mas imposição do próprio espírito. Santanas, franciscanos,
mulheres de Jerusalém, o Cristo e a Madona se processam numa maravilhosa
sucessão de blocos esculpidos e encarnados com um processo criado pelo
próprio artista: cera, cola branca, tinta xadrez e até querosene para
acentuar o envelhecimento das peças. As cores são escuras e sombrias:
sépia, azul-escuro, vermelho-grená e verde acentuando a dramaticidade
das peças.
Dessa fase diz o próprio
artista: "Não nego que o sofrimento estampado na face dos meus
santos seja o sofrimento da própria humanidade. Nas classes humildes, as
pessoas são mais próximas, sentem e sofrem juntas uma dor que se torna
comum".
Começou expondo na Feira
de Arte da Praça da Liberdade (1969/70), em Belo Horizonte. Ali o
conheci em 1969. Gradativamente, passei a perceber que da sua lavra não
mais saíam santos, apesar de continuar na simbologia inerente a cada um
e os nomes indicarem que sim. À medida que amadurece como artista e
pessoa, Maurino muda não apenas de traço, mas de intenção e postura
artística. O fato de viajar muito, manter contato com artistas de outros
estados e tendências diversas, enfim, os encontros e o convívio com
representações culturais distintas do meio inicial ocasionam uma
profunda mudança na sua obra. Falamos de transformação, da passagem de
uma estética a outra, de uma sorte de modificações que perpassam pela
obra de Maurino, o abandono do tratamento laudatório e santeiro do
passado (sempre com fragmentos críticos) faz surgir do cedro a figura
naturalista, altiva, elegante e simbólica dos ancestrais africanos. É o
artista pensando consigo mesmo, incomodado com a posição contraditória
em que, como pessoa, se encontra nesta sociedade mestiça e, no entanto,
tão preconceituosa.
Maurino
Araújo, por Sérgio Coelho, 2000
4. O ARTISTA, A
TRAJETÓRIA, O HOMEM E O ENCONTRO COM A ÁFRICA
Maurino absorve uma
profunda identificação entre o que sente e a antiga arte exercida na
cidade de Ifé (Nigéria), abrindo-se para novas influências e abordagens.
No consenso dos pesquisadores contemporâneos, os estilos de arte
praticados em Ifé e Benin são totalmente diferentes do que se criava nos
demais países africanos. Alguns teóricos buscam a origem dessa arte nos
antigos povos mesopotâmicos, nos fenícios, no Egito Antigo ou, talvez,
em povos anteriores. Muito já se escreveu sobre essas esculturas
naturalistas e a técnica de "cera perdida", inclusive Frobenius (Leo
Frobenius, 1873-1938), antropólogo alemão, diz que "essa arte de Ifé e
Benin está relacionada com o mundo mediterrâneo, datando do primeiro
milênio antes da era cristã".
Nessas esculturas se
ressaltam a diversidade e as faculdades plásticas do africano sendo por
isso consideradas a "arte clássica" da África, falando-se, na
atualidade, da real existência do "mundo iorubá" em contraponto ao
"mundo grego" dos ocidentais. As proporções são conservadas dentro de
uma estética que busca uma beleza ideal. É inegável que a liberdade
plástica das etnias africanas proporcionou ao ocidente a criação de uma
arte nova e surpreendente.
Não se trata de
transposição pura da estética ou busca do ethos, mas da
influência que trouxe, à escultura ocidental, uma série de elementos
novos com a liberdade criativa, visão do essencial impulso livre de
expressão simbólica. Sob a influência dos entrechoques culturais, neste
melting-pot brasileiro, Maurino passa a situar sua nova fase. Não
mais a hagiografia cristã, não mais personagens brancos, mas figuras
negras — sobas, reis, mulheres e homens do povo. Também mudam o
trato da madeira e a encarnação das figuras.
Na junção do naturalismo
de Ifé e a conseqüente herança do barroco mestiço, Maurino nos apresenta
os personagens do seu mundo interior. As peças que anteriormente
mostravam, nítidas, as marcas da goiva e do formão agora são lisas,
amaciadas como no trato das cerâmicas. As cores mudaram, não apenas da
pele, também as dos trajes, a encarnação torna-se menos dourada e
decorativa (o barroco mineiro) e passa a ser mais sintética e com os
tons rebaixados (a arte nigeriana).
As figuras não trazem a
angústia de um barroco tardio, mas apresentam severidade e força
interior ancestral. Na confluência dos estilos de Ifé e Benin e do
barroco mestiço de Minas Gerais, Maurino conseguiu um estilo fundamental
e pessoal com a afirmação das tão diferentes origens e a compreensão de
que a arte é o grande amortecedor desses choques, encerrando em si o
próprio conceito de universalidade.
Teria Maurino intencionado
a transformação? Seria espontânea? Algumas vezes tocamos neste assunto,
que poderia ser um ponto de vista pessoal ou, quem sabe, estaria vendo
algo que só existia para mim. A essa pergunta Maurino, muito do seu
jeito, apenas sorria manso e desconversava. O assunto não lhe agradava
por ainda não estar maduro. A pergunta persistia, pairava no ar. Por que
Maurino insistia no imaginário sacro, se, na verdade, o que esculpe é
uma revisão dos próprios valores?
O santeiro-mor de Minas
Gerais não mais o era, pois suas esculturas humanizaram-se, o que o
reposiciona como um dos maiores escultores brasileiros contemporâneos.
Maurino apenas sorria e nada afirmava ou desmentia até que ouvi de seus
lábios a espontânea declaração que passo integralmente: "Os meus santos
não tem nada de santos. O que vejo, o que faço são pessoas humanas. O
que me interessa são as pessoas. Em vez de buscar um Deus invisível,
busco no homem o Deus que ele pode ser". Estava aí, madura e segura, a
afirmação do que pressentíamos há muito tempo.
A sensibilidade do negro
tem expressiva presença na cultura brasileira, vitalizando
significativamente as manifestações artísticas. Especialmente no que se
refere às linguagens plástico-visuais não se buscou ainda estudar em
profundidade a contribuição das culturas africanas, embora sejam
abundantes, na bibliografia brasileira, as referências à presença do
negro e do mestiço na conformação dos fundamentos de uma arte nacional
no período colonial. A importância dessa contribuição, que vem sendo
dada ainda hoje com igual vitalidade, merece aprofundado estudo a fim de
que possamos reabrir certos caminhos fundamentais da criação artística.
É possível que, a partir destes fatos, os produtores de arte encontrem
novas alternativas de expressão, tal como aconteceu com a arte européia
no início do século 20, que, a partir das influências negras, iniciou um
processo revolucionário como o cubismo.
Maurino Araújo participou
de várias exposições individuais e coletivas. As principais: Artistas
Latino-Americanos, Bruxelas, Bélgica (1973); Bienal de São Paulo (1976);
Festival de Arte, Cultura Negra e Africana, Lagos, Nigéria (1977); Museu
de Arte Moderna, São Paulo (1981); V Salão Nacional de Artes Plásticas,
Belo Horizonte, (1982); Galeria Bonino, Rio de Janeiro (1983); Artistas
Populares de Belo Horizonte, Centro Cultural UFMG, Belo Horizonte
(1996); Negro de Corpo e Alma, Mostra do Redescobrimento, Pavilhão
Manoel da Nóbrega, Parque Ibirapuera, São Paulo (2000); Quatro
Aquarelistas e Um Escultor, sala especial Maurino Araújo, Galeria Agnus
Dei, Belo Horizonte (2003). É o único artista brasileiro com obra no
Museu do Vaticano (báculo oferecido ao papa João Paulo II, pelo governo
brasileiro). Roberto Burle Marx (1909-1994) construiu uma ala em seu
sítio, na antiga estrada da Barra da Guaratiba, Rio de Janeiro,
especialmente para abrigar as esculturas de Maurino Araújo. O escultor
mineiro tem obras no Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, MG,
museus nacionais e internacionais, fundações, instituições públicas e
privadas. Está presente em inúmeras coleções particulares de artes
plásticas no Brasil e exterior.
Anjo
Negro, Escultura, Madeira, 1999
Aquilo que vinha lá de
dentro
"Toda vida, a tendência para a arte parece
que era nascente. Menino ainda, comecei a buscar em todos os meios
alguma coisa que pudesse expressar aquilo que vinha lá de dentro.
Primeiro eu desenhei muito, depois foi à experiência com argila, com
pintura e por fim a escultura — uma nova tentativa, um novo
caminho. Esculpi um Cristo, o resultado não foi decepcionante. O Cristo
encontra-se hoje numa capela de um dos bairros de Belo Horizonte. Tudo
que sei foi à vida que me ensinou, alguma coisa que veio lá do fundo,
intuição, sei lá! Alguma coisa parecida. Talvez seja a inquietação
interior. Aquela vontade de buscar alguma coisa. (...) Não tenho escola
de arte, o que tenho é amor pelo o que eu faço, pelas minhas esculturas.
Mas não foram santos as minhas primeiras criações. Quando comecei a
entalhar, a primeira peça foi uma figura de Adão e
Eva".
Tudo é humano e sofrido
"No
ambiente em que fui criado, a gente acaba se ligando ao problema dos
outros e parece que há um laço estreito entre as classes menos
favorecidas. Então, talvez seja isso que tenha tido também tanta
influência na minha vida, pois na minha obra tudo é humano e sofrido,
reflexo do que tenho dentro de mim. Tenho muito amor pela arte. Quando
crio não penso em vender. Nunca cheguei a pensar que um dia iria vender
um trabalho meu. Nunca acreditei que pudesse viver disto; do que eu
gosto de fazer. Mas aconteceu".
A figura negra
"Os 'Anjos Negros', de uma certa forma,
aconteceram no momento certo. Há tempos esperava uma oportunidade de
explorar a figura negra. Pensava muito em fazer madonas negras, mas não
havia ainda chegado a oportunidade. Aproveitando o convite para o
Festival de Arte, Cultura Negra e Africana (Lagos, Nigéria, 1977) pude
explorar a figura negra. No caso, os Anjos (ou Reis) Negros. Por outro
lado tornou-se uma coisa meio monótona, pois são dez peças, dentro de um
mesmo tema, embora ache que tenha conseguido um bom resultado. Falar
dessa inspiração é difícil, porque quando trabalho me envolvo de tal
forma que tudo entra por conta deste envolvimento. O talhe é resultado
do favorecimento do que quero com o próprio talhar em si. Um golpe na
madeira é, muitas vezes, a sugestão. Quanto às feições são resultados de
observação nas diversas faces negras que
vejo".
Busco no homem o Deus que ele tem dentro de
si
"Torno a afirmar que os
meus santos não têm nada de santos. O que faço são pessoas, sejam
velhas, novas, pretas ou brancas. Em vez de buscar um Deus invisível,
busco no homem o Deus que ele tem dentro de si. Sempre tive medo que
pudessem benzer ou rezar para uma escultura que faço, pois elas
representam figuras humanas".
