"O concretismo, a meu ver, é a superação da arte
dita abstrata. O abstrato parte sempre de um determinado objeto, ou
série de objetos, que são despojados de sua individualidade e
transportados ao mundo plástico em formas e cores. O concretismo, em
resumo, tem como ponto de partida a idéia e a sua objetivação na obra de
arte. É, vamos dizer, a visualização artística de uma
idéia".
Eis o pensamento de 1955,
que consta da edição nr. 19 da série Circuito Atelier (Editora
C/Arte, Belo Horizonte, MG, 2002), em sua maneira mais livre, simples,
plena e lúcida, que se desloca no tempo, em consonância com as
esculturas do autor: Franz Weissmann, um ícone do movimento concretista
brasileiro. Suas obras buscam a síntese da tridimensionalidade. Rejeitam
tudo o que é superficial para atingir a essência. A maleabilidade,
movimento, dobras e recortes seguem o princípio do vazio, o vazio ativo
e não o vazio morto. Uma obsessão ao longo de sua carreira, que não
fecha portas, mas abre janelas comunicativas para um diálogo mais
envolvente com a vida, a história e a coletividade. As esculturas do
artista plástico, inegavelmente, pela sua força criativa, são das poucas
que atingiram a grande dimensão de integrar o espaço à sua
obra.
Num plano mais abstrato de
reflexão, a experiência do espaço vazio, recorre ao arquiteto tcheco
Adolf Loos e o estilo modernista internacional, despojado,
de linhas novas e arrojado. Caracterizado por formas retilíneas e
básicas, espaços internos abertos e a exclusão radical do ornamento. A
densidade das esculturas de Weissmann parte desta potência e princípio.
O desdobramento é uma percepção estética auto-referente, adicional e
intuitiva, sempre à procura da complementação com a cor. Pois ela é
parte da obra. Usada para estabelecer relações com o observador e
provocar o status da escultura como arte pública.
Lâmina Larga em
Torção no Espaço, 220x220x220 cm, Aço Pintado,
1980.
Edifício IBM do
Brasil, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ
As disposições dos monumentos em praças, ruas,
halls de entrada de condomínios e fundações indicam um horizonte
com distinção em relação às construções ao redor. Diferenciação integrada com o espaço, a
arquitetura, a paisagem, o entorno. Arte pública participativa, urbana,
e em sintonia com o tempo. "A obra de Weissmann não é apenas uma
escultura isolada, ela é uma instalação. Dentro dos conceitos atuais, o
artista trabalha com a instalação, inserindo a obra no espaço, que é o
ambiente. Sua escultura não é uma obra isolada, ela está no contexto
ambiental"1. Para chegar
a tal consistência, liberdade e nível de qualidade, as diversas
possibilidades de manipulação dos planos foram pacientemente estudadas e
amadurecidas ao longo da história.
A Bienal de São Paulo e o Concretismo
- Após a Segunda Guerra
Mundial, a arte brasileira viveu um momento de ruptura e
reinvenção. "Ruptura com a
tradição modernista, que nascera nacionalista e mais tarde adquirira um
traço social e regional com Cândido Portinari"2. O término da guerra favoreceu o
intercâmbio e reacendeu o contato com a arte européia. Que se refletiu
na criação da Bienal de São Paulo (1951). Foi na 1a Bienal
que Weissmann conheceu os trabalhos de Max Bill, artista e arquiteto
suíço, ex-aluno da Bauhaus, líder do Grupo Concretista de
Ulm, principal herdeiro das vanguardas construtivas.
Max Bill é o sucessor de Theo van Doesburg,
artista e teórico holandês, fundador de De Stijl e do
Elementarismo. Doesburg definiu os princípios da arte concreta no
manifesto As Bases da Arte Concreta, publicado no primeiro e
único número da revista Art Concret, em abril de 1930. Com o
falecimento de Doesburg, o termo e o conceito foram estudados e
reelaborados por Max Bill em 1936. A essência do novo
projeto concretista parte da seguinte idéia formulada por Max Bill: "A
arte concreta, quando alcança a máxima fidelidade a si própria, é pura
expressão de medida e de lei harmoniosas. Agencia sistemas e dá vida a
esses agenciamentos pelos meios de que a arte dispõe. É real e
intelectual, anaturalista — e, no entanto, próxima da natureza. Tende ao
universal, mas cultiva o particular; rejeita a individualidade, mas em
benefício do indivíduo".
A premiação da Unidade Tripartida de Max
Bill na 1a Bienal foi decisiva para o surgimento do movimento
concretista no Brasil. Seus objetivos são ilimitados e se diferenciavam
dos novos estilos figurativos. Nada há de sentimental, nacionalista ou
romântico. O produto não é da mente irracional, conforme os surrealistas
e realistas mágicos, mas da mente racional e consciente de um artista
livre de qualquer ilusionismo e do simbolismo. Freqüentemente, os
artistas tomam como ponto de partida conceitos científicos ou
matemáticos, o que resulta em estruturas características de grades e
formas geométricas, como elementos mínimos de forças máximas do campo
especificamente plástico.
"Equilíbrio e ordem são elementos fundamentais
para alavancar o projeto de se erigir uma sociedade que se abre para a
industrialização e aponta para o futuro. A arte concreta emerge como
expressão de um contraponto possível a uma visão de uma sociedade
desorganizada, que o censo comum brasileiro produziu sobre si
mesmo"3. O
concretismo ainda persiste como tendência nas artes contemporâneas, além
de ter sido absorvido pelo design, moda, publicidade, televisão, vídeo,
cinema e internet.
O Cubo Vazado - A precisão geométrica é um fator de clareza e
de liberdade. Suas possibilidades e desenvolvimentos consecutivos
identificam a obra de Weissmann com a criação, em 1951, ainda
em Belo
Horizonte, do Cubo Vazado, considerado uma das
primeiras esculturas construtivas brasileiras. Foi um rompimento
definitivo com a figuração, partindo do cubo como recurso tridimensional
e do quadrado como elemento plano. Weissmann desarticula o cubo, que se
abre despojado do seu núcleo, e equilibrado em uma de suas arestas. "É
como se seu peso tivesse sido abolido. A posição é virtual, não absoluta
— uma das possíveis, apenas. O vazio se torna uma outra dimensão,
presente e sensível. O vazio ocupa, preenche e positiva: fica, por assim
dizer, concreto"4.
O Cubo Vazado é rejeitado na
1a Bienal. Um comissário espanhol disse que ele estava
inacabado. Um cubo de 1m x 1m, de chapas em latão soldadas — feito com o
maior sacrifício e os recursos que dispunha em Belo Horizonte.
Entretanto, uma coincidência marca o percurso, pois
naquele mesmo momento, na Espanha, um opositor feroz do franquismo, o
artista plástico Jorge Oteiza, estava fazendo um trabalho muito parecido
com o do artista brasileiro. Acabaram se conhecendo na 4a
Bienal, em 1957, quando Oteiza ganhou o prêmio internacional de
escultura e Weissmann ganhou o nacional.
A Cor, os Amassados e o Provisório
– As esculturas
minimalistas do britânico Sir Anthony Caro, os móbiles
da arte cinética do norte-americano Alexander Calder e as imagens do
Aparelho Cinecromático do brasileiro Abrahan Palatnik são
exemplos em que a cor é um fator de expansão, contenção e movimentação.
A cor tratada como um elemento que reage e se integra ao ambiente. Num
certo sentido semelhante à cor neoconcreta, que assume a forma e o
espaço como um elemento que a mobiliza. Entretanto, numa linguagem e
escala mais enxuta e direta. Concreta.
Quadrado em
Torção no Espaço, 200x160x220 cm, Aço Pintado, 1985.
Casa de Cultura
Laura Alvim, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ
Os tons e as cromaticidades expressivas
utilizadas por Weissmann, quando começa a trabalhar com o aço, revelam a
importância da luz como um elemento que potencializa integralmente a
escultura. Pois, para o artista o mundo é cor. Seja o preto fosco que
absorve a luz, ou o brilhante que a reflete. O amarelo, uma cor
expansiva; o verde, sinal de vida; o vermelho, como estado de paixão. A
cor não é aplicada ao trabalho. Ela é intrínseca, integra. Usada para
aproximar a obra do espectador, e ao mesmo tempo se relacionar com a
forma livre da escultura no espaço.
Na década de 1960, Weissmann faz a série
Amassados, e, também, as Esculturas Moles. Para a crítica
Sônia Salzstein, tais trabalhos seguem um processo de desconstrução e se
situam no limite entre a performance, a escultura e o relevo,
aproximando-se dos Bichos de Lygia Clark.
Na mesma época, enquanto Lúcio Fontana rasga a
tela, Weissmann bate nas
lâminas metálicas. O traço devassador e violento, não arbitrário, é a
marca dos Amassados, pois tudo é feito com o martelo. Weissmann
amarrota as chapas industriais — assim como o aço, elemento básico de
suas esculturas. Realiza construções diferentes e inovadoras, pois
achatando a chapa, transformava o plano, o bidimensional, em algo
tridimensional, adquirindo volume e espaço. Tinha o hábito de furar as
chapas. Através dos furos cria o espaço tridimensional, um espaço vazio.
Um vazio ativo em relação ao continente que ele ocupa. A fase dos
amassados foram experimentações
provisórias, sendo abandonadas. Em seguida, o artista volta-se
novamente para as figuras geométricas.
"A obra de Weissmann nega qualquer idéia
estática de monumento em favor da celebração do transitório. As suas
articulações com o cubo, o retângulo ou a fita serão expansivas ou
concentradas, mas invariavelmente instáveis e provisórias. Ainda quando
assumem a escala de monumento, as peças de Weissmann continuam a tirar a
sua força do caráter da situação. E a tensão entre a sua notória
mentalização — a consistência lógica necessária para engendrá-las — e o
aspecto aberto e circunstancial talvez seja o que as distingue de
imediato. Afirmar tão decidida e inteligentemente a potência do
casual é, convenhamos, tarefa lenta e difícil. E obriga o olhar a
enfrentar o dilema entre a força de atração de determinada combinação
específica e as outras possibilidades que, de maneira premente e
sedutora, a peça anuncia. Num certo sentido, sem prejuízo da presença
certeira que ostenta, as esculturas de Weissmann terminariam todas
em
reticências. Teríamos
assim a percepção levada a
reconhecer o seu destino ativo, inesgotável e inacabado. O mundo
moderno, ao abolir o princípio da autoridade, define-se como o que está
por vir. Ele é o que será imaginado, processado e
construído"5.
Franz Weissman
(1914-2005) realiza experiências estéticas com maquetes no ateliê,
Ipanema, 2002, Rio de Janeiro, RJ
Trajetória Iluminada
- O escultor Franz Joseph
Weissmann nasceu em 1914, na cidade de Knittefeld, Áustria. Em 1921,
chega ao Brasil com a família, fixando-se no interior do Estado de São
Paulo. Muda-se novamente com a família para a cidade do Rio de Janeiro,
no final de 1929, fugindo da crise econômica de São Paulo. Freqüenta o
curso preparatório para a Escola Politécnica e trabalha com seu irmão
Fritz, na fábrica Ciferal de carrocerias de ônibus, fundada por
seu pai. Em 1939 ingressa na Escola Nacional de Belas Artes (ENBA), onde
estuda Arquitetura e Pintura. Abandona a academia em 1941. Buscando um
pensamento mais livre, passa a estudar no ateliê do escultor polonês
August Zamoyski, entre 1942 e 1943, com quem aprende as técnicas
tradicionais de escultura, usando a pedra, o barro, o gesso e o
bronze.
Transfere-se para Belo
Horizonte em 1944, onde residia desde 1932, o seu irmão Karl. Em 1945,
recebe o convite de Alberto da Veiga Guignard para lecionar Modelo Vivo
e Modelagem na recém-criada Escola de Arte Moderna de Belo Horizonte,
idealizada pelo prefeito Juscelino Kubitschek. É professor e
incentivador da obra do escultor mineiro Amilcar de Castro. Inicia um
processo de abstratização do figurativo. E recebe, no Rio de janeiro, o
primeiro prêmio de desenho no Salão Nacional de Arte Moderna, realizado
em 1949.
A partir de 1951, inicia
suas primeiras experiências construtivas no campo da escultura,
trabalhando com bronze, cimento, argila, fios de aço, e explora a forma
do cubo no espaço vazio. Essa pesquisa específica culmina na obra
Cubo Vazado, que é rejeitada na 1a Bienal de São
Paulo. Weissmann fica doente com a notícia. Mesmo assim, retoma os
estudos e trabalhos com o abstracionismo geométrico e a arte
concreta.
Em 1954, constrói o obelisco
de concreto de 15
metros de altura Monumento À Liberdade de
Pensamento, na Quinta da Boa Vista, no Rio de Janeiro, considerado o
primeiro Monumento Público Concretista Brasileiro — destruído em 1962,
sob a alegação de que estava atrapalhando o trânsito da cidade. A partir
da década de 1950,
a verticalidade como tema e as colunas como formas
são características constantes e singulares — que o distingue de outros
artistas modernos brasileiros — nas suas investigações e criações
estéticas, persistentes até o final da vida.
Volta a residir no Rio de
Janeiro em 1956, onde participa do Grupo Frente, e das exposições
de arte concreta do Museu de Arte Moderna de São Paulo e do Rio, também
em 1957. Neste ano, recebe o Prêmio Nacional de Escultura da
4a Bienal de São Paulo e, em 1958, ganha o Prêmio de Viagem
ao Exterior do Salão Nacional de Arte Moderna.
Em 1959, assina — juntamente
com Ferreira Gullar, Amilcar de Castro, Lygia Clark, Lygia Pape, Willys
de Castro, Décio Vieira, Hélio Oiticica, Reynaldo Jardim e Theon Spanuds
— o Manifesto Neoconcreto. Os neoconcretistas rebatiam o racionalismo, a
rigidez e o cientificismo do movimento concretista. Defendem o
abstracionismo geométrico sem perda da dimensão humana, sensível e
intuitiva da arte. A relação com a realidade é mantida, mas entende-se
que a arte transcende essa aproximação. O vocabulário geométrico se
presta à expressão da complexa realidade humana, e não lhe suprime a
imaginação. Um movimento não dogmático, aliado à expressão, sem
abandonar os problemas da forma. Defendiam uma síntese entre a razão e a
emoção. Cada artista preserva a sua individualidade e liberdade
criativa.
Na primeira metade da década
de 1960, Weissmann percorre a Europa e o Extremo Oriente. Trabalha em
Paris, Roma e Madri, onde realiza a série de placas amassadas de caráter
expressionista, única em sua carreira — e que abandona no momento
seguinte. Em 1968, retoma a questão construtiva. Na década de 1970,
inicia as esculturas luminosas e monocromáticas. Em 1971, participa da
Bienal de Escultura ao Ar Livre de Antuérpia, Bélgica, e, em 1972, da
Bienal de Veneza, Itália.
De volta ao Brasil, nas
décadas de 1980/90, retoma as pesquisas estéticas e trabalha em seu
ateliê no Rio de Janeiro. Em 1989 cria a escultura Grande Flor
Tropical em aço pintado para o Memorial da América Latina,
em São Paulo.
No final da década de 1990, trabalha a série
Mondrianas, inspirada no pintor holandês Piet Mondrian. Sua
última mostra, A Poética da Forma, ocorre em março de 2004 no
Museu de Arte Contemporânea de Niterói, ao lado de Oscar Niemeyer e
Tomie Ohtake.
A filha do artista, Waltraud
Weissmann, relata que até o último dia seu pai insistia em criar. Nas
últimas semanas de vida, mesmo recuperando-se de um infarto do
miocárdio, sempre visitava o ateliê para fazer as suas maquetes. Faleceu
aos 91 anos, no dia 18 de julho de 2005, em seu quarto, como queria, com
vista para a lagoa Rodrigo de Freitas, no Rio de
Janeiro.
Terra,
400x400x200 cm, Aço Pintado, 1958/1983. Conjunto Cândido Mendes, Centro,
Rio de Janeiro, RJ
A contribuição para a arte
internacional e brasileira é a dimensão pública que sua obra adquiriu.
Há muitas delas em
São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Norte,
Nordeste, Centro-Oeste, Sul e no exterior. Esculturas e formas livres,
"desenhos no espaço" — como chamava Mário Pedrosa —, dotados de
plenitude geométrica e a sensível claridade das cores ativas.
Franz Weissmann é um artista
fundamental na escultura brasileira. Sua trajetória iluminada está
presente no decisivo e essencial capítulo da arte construtiva nacional,
em especial, na transição do concretismo para o neoconcretismo — uma
passagem que deu às artes plásticas vigor, originalidade, leveza,
inventividade, "a matéria/ e mostra que dentro dela/ não há noite mas/
espaço/ puro espaço/ modalidade transparente/ de
existência"6, que
o enriquece e diferencia de todos os construtivistas. A história do
concretismo no Brasil estaria incompleta sem a sua presença.
[Agradecimentos
especiais aos editores Fernando Pedro da Silva e Marília
Andrés Ribeiro da Editora C/Arte,
à fotógrafa
Cecília Figueiredo e aos familiares Waltraud Weissmann e
Fernando Ortega,
pela atenção e
autorização de uso das imagens neste ensaio]
Referências
Bibliográficas
