Dirceu
Villa – Nota-se no seu trabalho fotográfico uma variedade impressionante
de enfoques executados com completo domínio do material visual, mas
chama a minha atenção particularmente o uso da cor, explorada em
possibilidades muito variadas também. Alguns fotógrafos tendem a
preferir o preto & branco. Sendo você também pintora e artista
plástica, isso teria efeito em sua fotografia, desse
modo?
Julia
Filardi –
Sim. A cor disposta em texturas, contrastes e gradações tonais fisgam
meu olhar. Acredito que não apenas a cor sofra tal efeito, mas a
composição e toda uma ampla gama de escolhas vindas da pintura, como
recortes de detalhes geométricos que muito se assemelham, por exemplo, à
pintura abstrata. Depois de um tempo fotografando fui percebendo padrões
de composição, imagens onde predominavam linhas circulares,
perpendiculares, orgânicas.
DV
–
Qual é a diferença entre um
trabalho de interação dinâmica com modelos (com efeito até dramático, ou
performativo, e erótico na sua fotografia) e outro de descobrir nas
coisas um quadro que se deseja fixar? Quero dizer: você se sente
dirigindo a ação, ou concebendo cenários, e isso diferiria muito de
quando você ajusta o ângulo e o foco, mas a foto já está lá de alguma
forma seminal?
JF
–
Certas fotos são arranjadas; outras, pegas de supetão, filhas de um
feliz acaso. Há uma distinção radical, o tempo é outro. Uma é planejada,
mesmo que seja em instantes. Outras te surpreendem. Pode acontecer de eu
perceber que algumas imagens são interessantes só quando vou editar. Há,
é claro, diferença no que tange à interação (embora sempre
presente com os elementos de uma foto mais estática), e tudo varia
demais de uma foto com pessoas para uma outra de
paisagem/geometria/arquitetura, por exemplo. É sempre muito singular,
cada foto tem sua
peculiaridade. Situações de cenas prontas, em que é preciso só clicar;
cenas em que você elimina objetos, insere ou cria toda a cena. Em se
tratando de pessoas, cada modelo é um universo: com alguns há um vínculo
quase instantâneo, e a qualidade dessa ligação fará total diferença no
resultado de uma foto; com outros é uma construção ou até um embate.
Pode existir diálogo intenso ou silêncio, direção clara, fluidez, uma
trava.
DV
–
Além da evidente conexão com as
artes plásticas, há alguma outra arte que põe você particularmente
disposta à fotografia? Noto mesmo que há um aspecto cinético muito forte
em várias de suas fotos, mesmo em algumas até quase
abstratas.
JF
–
A dança. Penso que exista uma espécie de dança natural nos gestos
cotidianos. De tão triviais, passam despercebidos. O corpo no espaço e
sua movimentação me fazem pensar. Fotografar o carnaval do Rio de
Janeiro foi um exercício muito rico, o corpo em dança, exposto, mas
surpreendido pela câmera (o que era minha intenção), eufórico ou logo
após, já exausto. Fiz aulas de dança dos 9 aos 15 anos. Antes disso,
gostava de dançar livremente pela casa, envolta num enorme véu com o
qual criava figurinos variados e me apresentava aos passantes em frente
de casa. Hoje tenho um grande interesse no butô (a partir do qual fiz
uma série de estudos de desenhos), em dança africana e em alguma coisa
da dança contemporânea. O teatro também tem despertado minha
atenção.
DV
–
Há algo muito interessante
em sua fotografia, que é um uso da ironia visual, como naquela foto "sem
deus", pichado em concreto, diante de uma avenida cheia de carros; ou
formas que sugerem coisas; ou mesmo aquela do "congresso em chamas", que
por um truque do ângulo o Congresso Nacional parece estar queimando.
Como funciona isso, é o estalo de uma oportunidade? Você está
particularmente atenta a isso ou simplesmente
acontece?
JF
–
A foto "sem deus", em particular, foi feita numa passagem que realizo
diariamente, portanto foi fruto de uma observação oportuna (combinação
das imagens), mas persistente (dada a repetição da visualização). Hoje o
pichado não está mais lá, mas um amigo que mora há mais tempo na cidade
comentou que logo picham de novo.
Já a do "congresso em chamas" foi o estalo de uma oportunidade:
somente ao subir na pira da pátria (nome sugestivo), sem nenhuma
pretensão, girando e explorando os ângulos, surgiu essa ideia. O
processo de criação pode variar.
DV
–
Quais são os fotógrafos e
fotógrafas — ou trabalhos fotográficos — que você mais aprecia? Podem
ser os que você tem apreciado mais recentemente,
também.
JF
–
As referências de que tenho estado mais próxima: Duane Michal, Helena de
Almeida, Masao Yamamoto, Issei Suda, Josef Koudelka, Anne Brigman, Sally
Man, Francesca Woodman, Eikoh Hosoe, Miwa Yanagi, Ken Rosenthal, Shōmei
Tōmatsu, Nobuyoshi Araki, Alexey Titarenko, etc.
DV
–
Como tem sido a recepção ao seu
trabalho fotográfico? Você utiliza meios de divulgação digital, um site
como o flickr, o facebook, & tem também o seu tumblr, recebeu
convites de outros sites: sente que há espaço para a fotografia autoral
no Brasil?
JF
–
Ainda não fiz nenhuma exposição de minhas fotografias em meio impresso.
Tenho usado por enquanto esses meios de divulgação digital (flickr, tumblr e facebook), os quais acabam
também sendo espaços de troca entre artistas. Recebi recentemente o
convite de um site que sempre foi uma referência na descoberta de
artistas novos e também antigos da história da fotografia mas,
infelizmente, e provavelmente por razões de censura à nudez na arte (o
que também ocorre no facebook), foi retirado do ar após anos de
depuração de material de alta qualidade em fotografia. Mas está sendo
refeito em novo endereço e a postagem com meu trabalho será atualizada
em breve.
O
espaço para a fotografia autoral de qualidade ― como para toda boa arte
― não é farto e bem valorizado, via de regra. Temos o nicho dos
fotógrafos tradicionais e muito profissionais/técnicos, e, no pólo
oposto, os artistas contemporâneos que usam a fotografia como linguagem,
que podem ser bastante tradicionais, também, no sentido de cair em
lugares-comuns, se repetir e, muitas vezes, numa absorção fácil pelo
público, ganhar mais espaço mercadológico. A visibilidade de um artista
é algo muito delicado, depende de múltiplos fatores que extrapolam a
qualidade da arte em questão.
DV
–
Você é do tipo técnico ou
intuitivo? Ou ambos? Se se ocupa de técnica, ela antecipa a foto como
preparação ou acontece simultaneamente com o processo
compositivo?
JF
–
Sem pensar duas vezes, intuitivo. Embora consciente da importância da
técnica. Em certos momentos as duas coisas se fundem sem que eu me dê
conta. Com a experiência, técnica e intuição passarão a andar juntas,
espero.
